via archdaily.com

Tiltshift Generator è un’app per iPhone e iPad che applica sfocature che fanno apparire una foto reale come la ripresa di un modello architettonico. Ora avviene il cortocircuito: architetture realizzate che sembrano i modelli delle stesse.

Purtroppo fra poco non ne potremo più. Peccato, perché è un effetto interessante di cui si sta già abusando.

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Terry Richardson c’ha un bel pisello, e gli piace mostrarlo, soprattutto in funzione, in fotografia. E’ arte? E’ pornografia? E’ fotografia? Sì, oggettivamente si tratta di fotografia, ma mai come per Richardson la fotografia è un mezzo e per niente un fine. Lui usa apparecchiature modeste e per niente professionali, e l’effetto cheap delle sue foto non è ottenuto con cervellotiche postproduzioni, ma è quello che un qualsiasi laboratorio fotografico restituisce sviluppando un rullino, molto simile a quelli che fate voi a vostro figlio per la festa di compleanno o alla vostra fidanzata.
Di artistico ha una sincera ossessione per il suo membro: la sua poetica è il suo membro, e la sua arte è un monumento continuo, affettuoso e appassionato alla sua celebrazione e alle sue prodigiose e penetranti gesta. Io lo conobbi – ma solo poi seppi si trattava di lui – nelle pubblicità di Sisley: no, non aveva messo un cappotto della collezione autunno-inverno al suo coso (di ragguardavoli proporzioni del resto – lui lo chiama “T-bone” e T-bone è la bistecca con l’osso, non so se rendo), ma aveva ritratto delle prosperose modelle cogliendole sul limite che separa la pornografia dall’esibizione di nudità. Diciamo che erano provocanti, via. Provocanti e morbose, molto morbose. L’attimo che quelle foto ritraevano era quello seguente ad un amplesso, quando il sesso è ancora appiccicato alla pelle: alludevano a ciò che c’era stato poco prima, e ne esponevano gli avanzi (avanzi gradevolissimi, del resto). Immagino lo stato d’animo del signor Sisley che, da buon veneto, sarà stato lacerato dall’asfissiante abbraccio della sua educazione cattolica ed eccitato dalla liberatoria sfida della provocazione, quando ha discusso i dettagli della campagna con Richardson: sono certo che il senso della conversazione era “Non fare monate, non voglio mandare in mona una campagna pubblicitaria per te. Io ti rispetto, tu sei bravissimo, ma fai il bravo”. E forse fu bravo Mr Sisley a fermarsi – e a fermare Mr Richardson – esattamente un passo prima del baratro della censura. Di campagne pubblicitarie Mr Richardson ne ha fatte moltissime, e la sua fotografia non può più da tempo definirsi provocatoria: meglio, è provocatoria entro – ben entro – le regole imposte dal mercato della moda. E stiamo comunque parlando di un settore che ha un’amplissima capacità di manovra e per il quale il limite del pudore è spostato molto in là. Perché nella moda il superamento del pudore è funzionale alle vendite – ed è soprattutto socialmente compreso ed accettato – mentre nell’intimità di un fotografo bisogna chiamarlo “arte” per poterlo digerire. Dare definizioni e nomi tranquillizza molto. “Ah, ma è un’artista”. E lui continua a fotografarsi il pisello.
Infatti Mr Richardson si diverte veramente solo quando può tornare a se stesso, in basso, sotto la cintura. Lo fa nel libro Kibosh , edito da Damiani e in vendita presso il L’Inde de Palais a Bologna, dove è stata ospitata anche una sua mostra nel mese di ottobre. Per comprendere il contenuto del libro si possono raccontare due aneddoti: il primo è che nemmeno Taschen – il glorioso e con ben poche pruderie editore tedesco – gliel’ha voluto pubblicare, e il secondo è che quando ho chiesto di vederlo nela libreria al pianterreno del sopracitato negozio il commesso mi ha detto imbarazzato “Le devo chiedere di farlo con una certa discrezione perché il contenuto è – come dire – un po’ forte”. In quel momento la provocazione si era già consumata e di fare il voyeur non ne avevo voglia. Decisi di lasciare al commesso il suo imbarazzo e di portarmi via il mio desiderio di vedere il pisello di Richardson più che la sua fotografia. Del resto sul suo sito ce n’è in abbondanza. Tanto in abbondanza che dopo un po’ nemmeno glielo guardi più. Alla fine gli guardi solo la faccia, il suo sorriso infantile e divertito e quasi innocente. Qualsiasi cosa faccia non c’è traccia di maturità pensosa e razionale, ma solo di gioco e una certa spensieratezza e sincerità indifesa. Giurerei che nelle prime istantanee che gli fece suo padre quando spegneva le candele della torta del suo 5° compleanno aveva lo stesso sorriso incosciente e quasi primordiale. Satanico pure, diabolico come certi bambini riescono ad essere. A questo punto ho pensato che la pornografia è negli occhi di chi guarda: è uno schema mentale che ci serve ad attrezzarci per sopportare – o gioire, dipende dai punti di vista – della vista dei suoi giochi erotici. A ben pensarci la pornografia è governata dalle stesse leggi della comunicazione di qualsiasi altro messaggio: scomodando Barthes, c’è il significato e il significante. C’è l’atto e c’è la provocazione, l’esposizione di ciò che è sconveniente esporre. Ed è sconveniente solo in termini sociali, perché la gestualità dell’accoppiamento ha una comunicatività che il potere della società odia profondamente. Infatti l’amplesso fisico è censurato perché scatena una libertà espressiva primitiva (fondativa, o no?) che è fortemente destabilizzante per l’ossessione sociale del controllo dell’informazione e della libertà espressiva.
Ma Richardson non è pornografico. Iconograficamente sì, non c’è dubbio, ma la sua opera provoca un tale cortocircuito fra il significato e il significante, tanto che il suo membro non allude a nient’altro, ma è proprio solo “il membro di Richardson, il suo amato T-bone”, o, in altri termini, la sua persona, il suo ego. Ecco perché, non essendo né pornografia né semplicemente fotografia, l’opera di Mr Richardson è arte, intesa naturalmente come una forma di comunicazione che pone al centro del messaggio l’uomo. Il sorriso diabolico di un uomo che ammette come unica mediazione fra se e il mondo il suo T-bone. Lui è al centro di ogni fotogramma, lui è sempre il protagonista, lui è comunicato e fa diventare arte la sua vita, nemmeno rappresentandola attraverso la fotografia, ma offrendola senza alcun filtro tecnico o intellettuale. Ad un livello zero, animale, oltre ogni schema. Pura e dura.

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Quando oggi ho letto che a Milano c’è l’ennesima mostra su Henri Cartier-Bresson ho pensato che di Henri Cartier-Bresson non se ne può più. Ma l’ho pensato con amore, che vi credete?
Poi ho iniziato a leggere “Henri Cartier-Bresson: Biografia di uno sguardo” di Pierre Assouline. Sono un tipo coerente, io.

Perché in effetti è delle foto di HCB che non se ne può più, mentre di lui, dell’uomo che ha smesso di fotografare decenni prima della sua morte giunta nel 2004 per ritornare al suo antico amore, la pittura, di lui non se ne sa poi molto.
Assouline, scrittore e giornalista, si mette in testa di conoscerlo e ne conquista la fiducia, tanto da diventarne amico nell’ultimo periodo della sua vita. Da lui si fa raccontare della sua vita e poco parlano delle sue foto: quelle le conoscono tutti e azzardo l’ipotesi che lui per primo non ne potesse più. Uno che viaggia incessantemente si evolve con altrettanta energia ed è poco sofferente al farsi riconoscere ed identificare per “quello che ha scattato quella foto”. “Quella foto” è ormai qualcosa di distante e diverso da ciò che è oggi HCB, esattamente come un figlio è diverso dal padre. Sorrido soddisfatto perché questa intuizione mi è confermata dopo poche pagine da Assouline stesso: delle sue foto in casa non se ne vede una, anzi: di foto ce ne sono proprio poche, e non sono nemmeno sue. Ce ne sono due: una di Martin Munkacsi e una di Augustin Casasola. Le sue foto non ha bisogno di vedersele ogni giorno mentre dipinge o legge un libro, proprio come un padre non ha bisogno di richiamare alla mente costantemente il nome dei propri figli: già li sa, sarebbe come istruire le gambe a mettere un piede dopo l’altro per camminare. Già sanno loro, da sole, come si fa.
Picasso diceva “Faccio quello che non so fare, per imparare a farlo” che era un modo per dire “Sai fare una cosa? Fanne un’altra“. L’artista, la creatura che non pone filtri fra se e il mondo e dice se stesso all’uomo, deve raccontare sempre una storia nuova. Riuscite a immaginare qualcosa di più patetico di un artista che rifà se stesso? Il manierismo è la negazione dell’arte, è la sua imbalsamazione. HCB era un artista e, come tale, mal avrebbe sopportato di rinunciare allo spirito creatore che è la curiosità: andare in luoghi nuovi, esplorare, chiedersi cose, avere dubbi. Grattare la superficie delle cose.
Oggi non si espone HCB: non è corretto nei suoi confronti. Si espongono le sue foto, cose che fece decenni addietro e che guardò (se mai le riguardò) fino alla morte con un occhio affettuoso e paterno, ma intendendole come significative di un’altra persona, di un altro HCB.

Il fotografo non viene mai nelle foto: mette il proprio occhio nella testa di chi quell’occhio felice non l’ha. Dice cose che le bocche comuni non sanno pronunciare.
Assouline chiede a HCB quando ha scattato l’ultima foto e si sente rispondere “Ebbene, ne ho appena fatta una a lei, ma senza macchina … è venuta bene ugualmente… la stanghetta degli occhiali perfettamente parallela alla parte superiore del quadro dietro di lei, è sorprendente“.
L’ultima foto di HCB è una foto che nessuno, tranne lui, ha potuto vedere e mai vedrà: è un attimo che resta nella memoria, un’impressione della corteccia cerebrale. Non la si può vedere, ma la si può immaginare.
Dei libri si dice che ti fan vivere molte vite: quelle dei loro personaggi. E non è poco, per niente.
Dell’arte si potrebbe dire che ti fa immaginare: ed è ancora di più, se ci pensate bene.